You probably don't think of Motorhead's Lemmy in the same way as you
think of Johnny Cash, Elvis Presley and Buddy Holly (even though you
should; he's every bit as much a legend in our eyes) but this CD could
change all that.
On this apparently untitled CD (there's no title anywhere on our copy),
Lemmy, Slim Jim Phantom and Danny B. Harvey play tribute to some of the
legends of rock'n'roll. And they do it with a vintage sound; not with a
modern Motorhead twist. In other words, except for the fact that it's
obviously Lemmy singing, these tunes sound almost exactly as they did
when they were originally recorded way back when.
The first tune, "Big River," is instantly recognizable as a Johnny Cash
cover. The rest of the CD is more of the same. "Not Fade Away" and the
many other Buddy Holly tunes on this CD sound the way Buddy Holly would
have recorded them back in the '50s - not the way Lemmy et al could have
recorded them in 1999 with the vast difference in studio and instrument
technology. Only the last tune, "Heartbreak Hotel" is somewhat
surprising and then only because it's an instrumental and not a vocal
version. (Oh, yeah - and Lemmy's intro of "How's it fuckin' start?" at
the beginning of "Peggy Sue Got Married" is a little anachronistic,
too).
But that attention to keeping it classic is all part of the charm. This
CD is a loving tribute to music that Lemmy, Slim Jim and Danny obviously
keep close to their heart. It's not for those who want their music
loud, fast and nothing else but - for fans of music of all types - it's a
delightfully nostalgic and outrageously quaint celebration of the early
days of rock'n'roll.
On this CD, Lemmy handles vocals, acoustic guitar and harmonica; Slim
Jim Phantom offers backing vocals, drums and percussion; Danny B. Harvey
plays electric guitar, keyboards and bass.
Probablemente no pienses en Motorhead's Lemmy de la misma manera que
piensas en Johnny Cash, Elvis Presley y Buddy Holly (aunque deberías
hacerlo; es una leyenda a nuestros ojos) pero este CD podría cambiar
todo eso.
En este CD aparentemente sin título (no hay ningún título en nuestra
copia), Lemmy, Slim Jim Phantom y Danny B. Harvey hacen un tributo a
algunas de las leyendas del rock'n'roll. Y lo hacen con un sonido
vintage; no con un giro moderno de Motorhead. En otras palabras, excepto
por el hecho de que es obviamente el canto de Lemmy, estas melodías
suenan casi exactamente igual que cuando fueron grabadas originalmente
hace mucho tiempo.
La primera canción, "Big River", se reconoce instantáneamente como una
portada de Johnny Cash. El resto del CD es más de lo mismo. "Not Fade
Away" y las muchas otras canciones de Buddy Holly en este CD suenan como
Buddy Holly las habría grabado en los años 50 - no como Lemmy et al
podrían haberlas grabado en 1999 con la gran diferencia en tecnología de
estudio e instrumentos. Sólo la última canción, "Heartbreak Hotel", es
un poco sorprendente y sólo porque es una versión instrumental y no
vocal. (Oh, sí - y la introducción de Lemmy de "How's it fuckin' start?
al principio de "Peggy Sue Got Married" es un poco anacrónico, también).
Pero esa atención a mantenerlo clásico es parte del encanto. Este CD es
un amoroso tributo a la música que Lemmy, Slim Jim y Danny obviamente
mantienen cerca de su corazón. No es para aquellos que quieren que su
música sea alta, rápida y nada más que - para los fanáticos de la música
de todo tipo - es una celebración deliciosamente nostálgica y
escandalosamente pintoresca de los primeros días del rock'n'roll.
En este CD, Lemmy maneja voz, guitarra acústica y armónica; Slim Jim
Phantom ofrece coros, batería y percusión; Danny B. Harvey toca guitarra
eléctrica, teclados y bajo.
The Atlantics are an Australian surf rock band founded in 1961. Initially, the band lineup consisted of drummer Peter Hood, bassist Bosco Bosanac, Theo Penglis on lead and rhythm guitar, and guitarist Eddy Matzenik. Matzenik was replaced by Jim Skaithitis while the band was still in its earliest stages. The band's claim to fame was as Australia's most successful of the genre. Most well known for their classic hit, "Bombora", their later recordings such as "Come On" are examples of 1960s garage rock. They were the first Australian rock band to write their own hits. In 2000 the group reformed with three of the original members, and continue to release new material and perform in concert. In 2013 the group celebrated the 50th Anniversary of their first album, Bombora and the eponymous single that was their first to chart. A European tour was organised to mark the occasion.
Martin Cilia (born 1958, Rochford, Essex, England) moved to Perth, Western Australia with his family in January 1968. Cilla is best known for his songwriting skills, and his membership in The Atlantics, where he performs on the guitar. Cilia played his first gig in a school hall in Morley High in 1972 with fellow students. He remembered playing songs by The Shadows, The Monkees, The Beatles, and Cat Stevens songs.
http://martincilia.com/about-martin/about-martin/
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Los Atlánticos son una banda australiana de surf rock fundada en 1961. Inicialmente, la banda estaba formada por el baterista Peter Hood, el bajista Bosco Bosanac, Theo Penglis en la guitarra principal y la rítmica, y el guitarrista Eddy Matzenik. Matzenik fue reemplazado por Jim Skaithitis mientras la banda estaba aún en sus primeras etapas. El reclamo de la banda a la fama fue como el más exitoso del género en Australia. Más conocidos por su éxito clásico, "Bombora", sus grabaciones posteriores como "Come On" son ejemplos del rock de garaje de los años 60. Fueron la primera banda de rock australiana en escribir sus propios éxitos. En 2000 el grupo se reformó con tres de los miembros originales, y continúan lanzando nuevo material y actuando en concierto. En 2013 el grupo celebró el 50º aniversario de su primer álbum, Bombora y el single homónimo que fue su primero en llegar a las listas de éxitos. Se organizó una gira europea para celebrar la ocasión.
Martin Cilia (nacido en 1958, Rochford, Essex, Inglaterra) se mudó a Perth, Australia Occidental, con su familia en enero de 1968. Cilla es más conocido por sus habilidades como compositor, y su pertenencia a The Atlantics, donde toca la guitarra. Cilia tocó su primer concierto en un salón de la escuela en la secundaria Morley en 1972 con sus compañeros. Recordaba haber tocado canciones de The Shadows, The Monkees, The Beatles y Cat Stevens.
Sandy Nelson's new beat for a new psychedelic generation. With Joe Saraceno production, Sandy covered the classic psychedelic rock songs like: Sunshine Of Your Love, I Feel Free, Magic Carpet Ride, and classic surf instro: Out Of Limits. Also, there are fine originals with plenty of fuzz guitars and cool organ sounds.
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El nuevo ritmo de Sandy Nelson para una nueva generación psicodélica. Con la producción de Joe Saraceno, Sandy cubrió las clásicas canciones de rock psicodélico como: Sunshine Of Your Love, I Feel Free, Magic Carpet Ride y el clásico de surf: Out Of Limits. Además, hay originales excelentes con un montón de guitarras fuzz y sonidos de órgano geniales.
Okay
all, grab your surfboards and your headphones - it's Psycho Beach
Party! The film is adapted from the cult stage play, and while it only
played in a limited release, the music should be anything but. With a
dead-on perfect score by Ben Vaughn, accentuated with a few instrumental
surfing songs, this is a definite guilty pleasure album that is perfect
for driving along the beach, or playing at a BBQ.
Beginning with
the "Main Title", any listener will immediately get a sense of this
album. It's a rocking 1960s beach party score, with all of the classic
instrumentation you would expect. The bass guitars, organs and
percussion are all there. It's just knee-slapping toe-tapping fun, and
it almost never ends. "Neenie's Famous Weenies" was used in the
theatrical trailer for the film, and I can still picture the go-go girl
shaking and bopping to the underscore. The last track, "P-S-Y-C-H-O
(Psycho) End Title" is a great 1960s-style song that hints at the
storyline (as all good narrative songs back then did), and even tosses
in some beach sound effects to boot.
The songs are integrated
between the score cues seamlessly, as they all are of the same tone. The
surf-bands Los Straitjackets, The Halibuts, The Hillbilly Soul Surfers,
Four Piece Suit, The Fathoms, and Man or Astro Man? all contribute to
the album. One thing that stuck out when listening to this 40-minute
long CD was that it flowed exceptionally well. It was so disappointing
when the soundtrack ended that I had to play the whole thing again - I
hadn't realized how much time had flown by! If you have any desire for
music that harkens back to the Frankie & Annette beach party films,
then by all means pick this album up. Released by Unforscene Music,
Psycho Beach Party is definitely one party you don't want to miss out
on. https://www.soundtrack.net/album/psycho-beach-party/
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Muy
bien, coged las tablas de surf y los auriculares: ¡es Psycho Beach
Party! La película es una adaptación de la obra teatral de culto, y
aunque sólo se estrenó en una edición limitada, la música no tiene nada
que envidiarle. Con una partitura perfecta de Ben Vaughn, acentuada con
algunas canciones de surf instrumentales, este es un álbum de placer
culpable que es perfecto para conducir por la playa, o jugar en una
barbacoa.
Empezando por el "Main Title", cualquier oyente se hará
inmediatamente una idea de este álbum. Es una banda sonora de una
fiesta playera de los años 60, con toda la instrumentación clásica que
cabría esperar. Los bajos, los órganos y la percusión están presentes.
Es diversión a raudales, y casi nunca termina. "Neenie's Famous Weenies"
se utilizó en el tráiler de la película, y todavía puedo imaginarme a
la gogó agitándose y bailando al ritmo de la música de fondo. El último
tema, "P-S-Y-C-H-O (Psycho) End Title", es una gran canción de los años
sesenta que insinúa el argumento (como hacían todas las buenas canciones
narrativas de la época), e incluso incluye algunos efectos de sonido
playeros.
Las canciones se integran perfectamente entre las
partituras, ya que todas tienen el mismo tono. Las bandas de surf Los
Straitjackets, The Halibuts, The Hillbilly Soul Surfers, Four Piece
Suit, The Fathoms y Man or Astro Man? colaboran en el álbum. Una cosa
que llama la atención al escuchar este CD de 40 minutos de duración es
que fluye excepcionalmente bien. Fue tan decepcionante cuando terminó la
banda sonora que tuve que volver a escucharlo entero, ¡no me había dado
cuenta de lo mucho que había pasado el tiempo! Si te apetece escuchar
música que recuerde a las películas de Frankie & Annette, no dudes
en hacerte con este álbum. Publicado por Unforscene Music, Psycho Beach
Party es sin duda una fiesta que no querrás perderte. https://www.soundtrack.net/album/psycho-beach-party/
Link
Wray may never get into the Rock and Roll Hall of Fame, but his
contribution to the language of rockin' guitar would still be a major
one, even if he had never walked into another studio after cutting
"Rumble." Quite simply, Link Wray invented the power chord, the major
modus operandi of modern rock guitarists. Listen to any of the tracks he
recorded between that landmark instrumental in 1958 through his Swan
recordings in the early '60s and you'll hear the blueprints for heavy
metal, thrash, you name it. Though rock historians always like to draw a
nice, clean line between the distorted electric guitar work that fuels
early blues records to the late-'60s Hendrix-Clapton-Beck-Page-Townshend
mob, with no stops in between, a quick spin of any of the sides Wray
recorded during his golden decade punches holes in that theory right
quick. If a direct line can be traced forward from black blues musicians
crankin' up their amps and playing with a ton of violence and
aggression to young white guys doing a mutated form of same, the line
points straight to Link Wray, no contest. Pete Townshend summed it up
for more guitarists than he probably realized when he said, "He is the
king; if it hadn't been for Link Wray and "'Rumble,'" I would have never
picked up a guitar."
Everything that was handed down to today's
current crop of headbangers from the likes of Led Zeppelin and the Who
can be traced back to the guy of Shawnee Native American parentage from
Dunn, North Carolina, who started out in 1955 recording for Starday as a
member of Lucky Wray & the Palomino Ranch Hands. You see, back in
the early '50s, it was a different ball game altogether. Rock & roll
hadn't become a national event in the United States yet, and if you
were young and wanted to succeed in the popular music business, you had
two main avenues for possible career moves. You could be a pop-mush
crooner like Perry Como or a hillbilly singer like the late Hank
Williams, and that was about it. With country music all around him as a
youth in North Carolina, the choice was obvious; Wray joined forces with
his brothers Vernon and Doug, forming Lucky Wray & the Lazy Pine
Wranglers, later changing the band name to the spiffier-sounding
Palomino Ranch Hands. By the end of 1955, they had relocated outside of
Washington, D.C., and added Shorty Horton on bass. With Link, Horton,
and brothers Doug and Vernon ("Lucky," named after his gambling
fortunes) handling drums and lead vocals respectively, they fell in with
some local songwriters, and the results made it to vinyl as an EP on
the local Kay label, with the rest of the sides being leased to Starday
Records down in Texas.
But by 1958, the music had changed, and so
had Wray's life. With a lung missing from a bout with tuberculosis
during his stint in the Korean War, Link was advised by his doctor to
let brother Vernon do all the vocalizing. So Link started stretching out
more and more on the guitar, coming up with one instrumental after
another. By this time, the band had sweated down to a trio, and changed
its name to the Ray Men. After a brief flirtation as a teen idol --
changing his name to Ray Vernon -- the third Wray brother became the
group's producer/manager. Armed with a 1953 Gibson Les Paul, a dinky
Premier amp, an Elvis sneer, and a black leather jacket, Link started
playing the local record hops around the D.C. area with disc jockey Milt
Grant, who became his de facto manager. One night during a typical set,
said Link, "They wanted me to play a stroll. I didn't know any, so I
made one up. I made up "'Rumble.'"
"Rumble" was originally issued
on Archie Bleyer's Cadence label back in 1958, and Bleyer was ready to
pass on it when his daughter expressed excitement for the primitive
instrumental, saying it reminded her of the rumble scenes in West Side
Story. Bleyer renamed it (what its original title was back then, if any,
is now lost to the mists of time), and "Rumble" jumped to number 16 on
the national charts, despite the fact that it was banned from the radio
in several markets (including New York City), becoming Wray's signature
tune to this day. But despite the success and notoriety of "Rumble," it
turned out to be Wray's only release on Cadence. Bleyer, under attack
for putting out a record that was "promoting teenage gang warfare,"
wanted to clean Link and the boys up a bit, sending them down to
Nashville to cut their next session with the Everly Brothers' production
team calling the shots. The Wrays didn't see it that way, so they
immediately struck a deal with Epic Records. Link's follow-up to
"Rumble" was the pounding, uptempo "Rawhide." The Les Paul had been
swapped for a Danelectro Longhorn model (with the longest neck ever
manufactured on a production line guitar), its "lipstick tube" pickups
making every note of Link's power chords sound like he was strumming
with a tin can lid for a pick. The beat and sheer blister of it all was
enough to get it up to number 23 on the national charts, and every kid
who wore a black leather jacket and owned a hot rod had to have it.
But
a pattern was emerging that would continue throughout much of Wray's
early career; the powers that be figured that if they could tone him
down and dress him up, they'd sell way more records in the bargain. What
all these producers and record execs failed to realize was the simplest
of truths: if Duane Eddy twanged away for teenage white America, Link
Wray played for juvenile delinquent hoods, plain and simple. By the end
of 1960, Wray found himself in the mucho-confining position of recording
with full orchestras, doing dreck like "Danny Boy" and "Claire de
Lune." But when these gems failed to chart as well, relations with Epic
came to a close, and by year's end, Link and Vern formed their own
label, Rumble Records.
Rumble's three lone issues included the
original version of Wray's next big hit, "Jack the Ripper." If "Rumble"
sounded like gang warfare, then "Jack the Ripper" sounded like a
high-speed car chase, which is exactly what it became the movie
soundtrack for in the Richard Gere version of Breathless. Link's amp was
recorded at the end of a hotel staircase for maximum echo effect, while
he pumped riffs through it that would become the seeds of a million
metal songs. After kicking up noise locally for a couple of years, it
was going through another period of disc jockey spins when Swan Records
of Philadelphia picked it up and got it nationwide attention. Certainly
Wray was at his most prolific during his tenure with Swan, and label
president Bernie Binnick gave Link and Vernon pretty much free rein to
do what they wanted. Turning the family chicken coop into a crude
three-track studio, the Wray family spent the next decade recording and
experimenting with sounds and styles.
At least now they could
succeed -- or fail -- on their own terms. Most of these sides were
leased out as one-shot deals to a zillion microscopic labels under a
variety of names like the Moon Men, the Spiders, the Fender Benders,
etc. What fueled this period of maximum creativity is open to debate. A
lot of it had to do with the fact that Link and the boys honed their
particular brand of rockin' mayhem working some of the grimiest joints
on the face of the planet when these tracks were cut. When Swan label
chief Binnick was questioned as to how he could issue such wild-ass
material, he would smile, throw his hands up in the air and say, "What
can you do with an animal like that?"
As the new decade dawned,
Link Wray's sound and image were updated for the hippie marketplace.
Wray's career fortunes waxed and waned throughout the '70s, a muddle of
albums in a laid-back style doing little to enhance his reputation.
After a stint backing '70s rockabilly revivalist Robert Gordon, Wray
went solo again, taking most of Gordon's band (including drummer Anton
Fig) with him. But if the studio sides were a bit uneven, he still could
pack a wallop live, and his rare forays on the stages of the world
spread the message that rock & roll's original wild guitar man still
had plenty of gas left in the tank.
ShadowmanWray married and
moved to Denmark in 1980, recording the stray album for the foreign
market, and throughout the 1990s he was still capable of strapping on a
guitar and making it sound nastier than anyone in his sixties had a
right to. And his back catalog got a lot attention in the '90s when the
grunge revolution hit, with several young, hip guitarists citing Wray as
an influence, and his early work continued to be reissued under various
imprints. He recorded two new albums for Ace Records, Shadowman in 1997
and Barbed Wire in 2000 and toured up until his death in Copenhagen on
November 5, 2005. ~ Cub Koda
///////
Puede
que Link Wray nunca entre en el Salón de la Fama del Rock and Roll,
pero su contribución al lenguaje de la guitarra rockera seguiría siendo
importante, incluso si nunca hubiera entrado en otro estudio después de
grabar "Rumble". Sencillamente, Link Wray inventó el power chord, el
principal modus operandi de los guitarristas de rock modernos. Si
escuchas cualquiera de los temas que grabó entre ese histórico
instrumental de 1958 y sus grabaciones de Swan a principios de los 60,
oirás los planos del heavy metal, del thrash, de todo. Aunque a los
historiadores del rock siempre les gusta trazar una línea clara entre el
trabajo de la guitarra eléctrica distorsionada que alimenta los
primeros discos de blues y la multitud de
Hendrix-Clapton-Beck-Page-Townshend de finales de los 60, sin paradas
intermedias, una rápida vuelta a cualquiera de los lados que Wray grabó
durante su década dorada hace agujeros en esa teoría rápidamente. Si se
puede trazar una línea directa desde los músicos de blues negros que
suben el volumen de sus amplificadores y tocan con una tonelada de
violencia y agresividad hasta los jóvenes blancos que hacen una forma
mutada de lo mismo, la línea apunta directamente a Link Wray, sin
discusión. Pete Townshend lo resumió para más guitarristas de los que
probablemente se dio cuenta cuando dijo: "Él es el rey; si no hubiera
sido por Link Wray y "'Rumble'", nunca habría cogido una guitarra".
Todo
lo que se ha transmitido a la actual cosecha de headbangers de la talla
de Led Zeppelin y The Who se remonta a este tipo de ascendencia nativa
americana de Dunn, Carolina del Norte, que empezó en 1955 grabando para
Starday como miembro de Lucky Wray & the Palomino Ranch Hands. A
principios de los años 50, las cosas eran totalmente diferentes. El rock
& roll aún no se había convertido en un acontecimiento nacional en
Estados Unidos, y si eras joven y querías tener éxito en el negocio de
la música popular, tenías dos vías principales para hacer carrera.
Podías ser un cantante de música pop como Perry Como o un cantante
hillbilly como el difunto Hank Williams, y eso era todo. Con la música
country a su alrededor cuando era joven en Carolina del Norte, la
elección era obvia; Wray unió fuerzas con sus hermanos Vernon y Doug,
formando Lucky Wray & the Lazy Pine Wranglers, cambiando más tarde
el nombre de la banda por el más elegante Palomino Ranch Hands. A
finales de 1955, se trasladaron a las afueras de Washington, D.C., y
añadieron a Shorty Horton al bajo. Con Link, Horton y los hermanos Doug y
Vernon ("Lucky", llamado así por su fortuna en el juego) a la batería y
a la voz principal, respectivamente, se pusieron en contacto con
algunos compositores locales, y los resultados llegaron al vinilo como
un EP en el sello local Kay, y el resto de las caras se alquilaron a
Starday Records en Texas.
Pero en 1958, la música había cambiado,
al igual que la vida de Wray. Al faltarle un pulmón por un ataque de
tuberculosis durante su estancia en la Guerra de Corea, el médico
aconsejó a Link que dejara que su hermano Vernon se encargara de
vocalizar. Así que Link empezó a tocar más y más la guitarra, creando un
instrumento tras otro. Para entonces, la banda había sudado hasta
convertirse en un trío, y cambió su nombre por el de Ray Men. Tras un
breve coqueteo como ídolo adolescente -cambiando su nombre por el de Ray
Vernon-, el tercer hermano Wray se convirtió en el productor/director
del grupo. Armado con una Gibson Les Paul de 1953, un diminuto
amplificador Premier, una mueca de Elvis y una chaqueta de cuero negro,
Link empezó a tocar en los saltos de disco locales de la zona de D.C.
con el disc jockey Milt Grant, que se convirtió en su mánager de facto.
Una noche, durante un set típico, dijo Link, "querían que tocara un
paseo. No conocía ninguno, así que me inventé uno. Me inventé
"'Rumble'".
"Rumble" se publicó originalmente en el sello Cadence
de Archie Bleyer en 1958, y Bleyer estaba dispuesto a pasar de él
cuando su hija expresó su entusiasmo por el primitivo instrumental,
diciendo que le recordaba a las escenas de estruendo de West Side Story.
Bleyer la rebautizó (el título original de entonces, si es que lo
tenía, se ha perdido en la noche de los tiempos), y "Rumble" saltó al
número 16 de las listas nacionales, a pesar de que fue prohibida en la
radio en varios mercados (incluido el de Nueva York), convirtiéndose en
la melodía emblemática de Wray hasta el día de hoy. Pero a pesar del
éxito y la notoriedad de "Rumble", resultó ser el único lanzamiento de
Wray en Cadence. Bleyer, atacado por sacar un disco que "promovía la
guerra entre bandas de adolescentes", quiso limpiar un poco a Link y a
los chicos, enviándolos a Nashville para grabar su siguiente sesión con
el equipo de producción de los Everly Brothers al mando. Los Wrays no lo
vieron así, por lo que inmediatamente llegaron a un acuerdo con Epic
Records. La continuación de Link a "Rumble" fue el potente y acelerado
"Rawhide". La Les Paul había sido cambiada por un modelo Danelectro
Longhorn (con el mástil más largo jamás fabricado en una guitarra de
producción), sus pastillas de "tubo de lápiz labial" hacían que cada
nota de los acordes de potencia de Link sonara como si estuviera
rasgueando con una tapa de lata como púa. El ritmo y el puro blister de
todo ello fueron suficientes para que llegara al número 23 de las listas
nacionales, y todos los chicos que llevaban una chaqueta de cuero negra
y tenían un bólido tenían que tenerla.
Pero estaba surgiendo un
patrón que continuaría durante gran parte de la carrera de Wray; los
poderes fácticos pensaron que si podían suavizarlo y vestirlo, venderían
muchos más discos. Lo que todos estos productores y ejecutivos
discográficos no comprendieron fue la más simple de las verdades: si
Duane Eddy tocaba para la América blanca adolescente, Link Wray lo hacía
para los delincuentes juveniles, simple y llanamente. A finales de
1960, Wray se encontró en la posición mucho más exigente de grabar con
orquestas completas, haciendo cosas como "Danny Boy" y "Claire de Lune".
Pero cuando estas gemas no consiguieron llegar a las listas de éxitos,
las relaciones con Epic llegaron a su fin, y a finales de año, Link y
Vern formaron su propio sello, Rumble Records.
Los tres únicos
números de Rumble incluían la versión original del siguiente gran éxito
de Wray, "Jack the Ripper". Si "Rumble" sonaba a guerra de bandas, "Jack
the Ripper" sonaba a persecución de coches a gran velocidad, que es
exactamente lo que se convirtió en la banda sonora de la película en la
versión de Richard Gere de Breathless. El amplificador de Link se grabó
al final de la escalera de un hotel para conseguir el máximo efecto de
eco, mientras que él bombeaba riffs a través de él que se convertirían
en las semillas de un millón de canciones de metal. Después de hacer
ruido a nivel local durante un par de años, estaba pasando por otro
período de giros de disc jockey cuando Swan Records de Filadelfia lo
recogió y consiguió la atención a nivel nacional. Ciertamente, Wray
estuvo en su momento más prolífico durante su estancia en Swan, y el
presidente del sello, Bernie Binnick, dio a Link y Vernon rienda suelta
para hacer lo que quisieran. Convirtiendo el gallinero familiar en un
tosco estudio de tres pistas, los Wray pasaron la siguiente década
grabando y experimentando con sonidos y estilos.
Al menos ahora
podían tener éxito -o fracasar- en sus propios términos. La mayor parte
de estas grabaciones fueron alquiladas a un millón de sellos
discográficos bajo una variedad de nombres como Moon Men, Spiders,
Fender Benders, etc. Lo que impulsó este periodo de máxima creatividad
está abierto al debate. Mucho tuvo que ver con el hecho de que Link y
los chicos perfeccionaron su particular marca de caos rockero trabajando
en algunos de los garitos más sucios de la faz del planeta cuando se
grabaron estos temas. Cuando el jefe de la discográfica Swan, Binnick,
era interrogado sobre cómo podía editar un material tan salvaje,
sonreía, levantaba las manos y decía: "¿Qué se puede hacer con un animal
así?".
Al llegar la nueva década, el sonido y la imagen de Link
Wray se actualizaron para el mercado hippie. La carrera de Wray tuvo
altibajos a lo largo de los años 70, con una serie de álbumes de estilo
relajado que no contribuyeron a mejorar su reputación. Después de un
período de apoyo al revival del rockabilly de los 70, Robert Gordon,
Wray volvió a actuar en solitario, llevándose a la mayor parte de la
banda de Gordon (incluido el batería Anton Fig). Pero si los lados de
estudio eran un poco desiguales, todavía podía dar un golpe en vivo, y
sus raras incursiones en los escenarios del mundo difundieron el mensaje
de que el guitarrista salvaje original del rock & roll todavía
tenía mucha gasolina en el tanque.
ShadowmanWray se casó y se
mudó a Dinamarca en 1980, grabando el álbum Stray para el mercado
extranjero, y a lo largo de la década de 1990 todavía era capaz de
atarse una guitarra y hacerla sonar más desagradable de lo que cualquier
persona de sesenta años tenía derecho. Y su catálogo anterior recibió
mucha atención en los 90 cuando la revolución grunge llegó, con varios
guitarristas jóvenes y modernos citando a Wray como influencia, y sus
primeros trabajos siguieron siendo reeditados bajo varios sellos. Grabó
dos nuevos álbumes para Ace Records, Shadowman en 1997 y Barbed Wire en
2000, y estuvo de gira hasta su muerte en Copenhague el 5 de noviembre
de 2005. ~ Cub Koda
Summertime's here, and it's been so long since we've been to the beach to soak up the sun's healing rays and engage in a day of red-hot fun! Bear Family has a perfect new soundtrack to accompany your trip to the oceanfront: 30 tracks that are all about frolicking in the sand and working on your tan while relaxing on your favorite blanket. Familiar names are scattered throughout the compilation; after all, no one knew how to throw a beach party better than Frankie Avalon, and his handsome pals Bobby Darin, Bobby Vee, and Freddie Cannon are here too. But there are also killer obscurities by Buddy Skipper and The Jetty Jumpers, Wayne Hollers, Al Barkle, and Ray Doggett, while R&B sax wailers Big Al Sears and Freddie Mitchell blow up a honking sandstorm. After the sun goes down and a cool breeze begins to waft in off the water, The Danleers' dreamy 1958 doo-wop smash One Summer Night is a perfect choice for slow dancing under the stars. Even guitar mauler Link Wray gets into the act with a surprisingly melodic Summer Dream. Pack the cooler, bring plenty of sunscreen, and pop 'Destination Beach' into your portable CD player at the first opportunity. Even on the hottest summer afternoon, it's the coolest!
Long
before the United States had presidents from the world of movies and
reality TV, we had scores of politicians with connections to country
music. In I’d Fight the World,
Peter La Chapelle traces the deep bonds between country music and
politics, from the nineteenth-century rise of fiddler-politicians to
more recent figures like Pappy O’Daniel, Roy Acuff, and Rob Quist. These
performers and politicians both rode and resisted cultural waves: some
advocated for the poor and dispossessed, and others voiced religious and
racial anger, but they all walked the line between exploiting their
celebrity and righteously taking on the world. La Chapelle vividly shows
how country music campaigners have profoundly influenced the American
political landscape.
Scotty Moore was an American guitarist and recording engineer. Best
known for playing with Elvis Presley during the early stages of
Presley's career. He was inducted into the Rock And Roll Hall of Fame in
2000.
///////
Scotty Moore era un guitarrista e ingeniero de grabación americano. Más
conocido por tocar con Elvis Presley durante las primeras etapas de su
carrera. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock And Roll en 2000.
This masterful explorationof
American roots music--country, rockabilly, and the blues--spotlights
the artists who created a distinctly American sound, including Ernest
Tubb, Bobby "Blue" Bland, Elvis Presley, Merle Haggard, and Sleepy
LaBeef. In incisive portraits based on searching interviews with these
legendary performers, Peter Guralnick captures the boundless passion
that drove these men to music-making and that kept them determinedly,
and sometimes almost desperately, on the road.
Over the last twenty years, Roger C. Wade (harp / vocals) has
established himself as an outstanding harmonica player. His powerful, as
well as, sensitive style and penetrating Blues feeling coupled with a
healthy level of virtuosity, spontaneity, humor and an energetic "stage
presence" are certain to catch your ear! The quintet describes its style
as "hip-wiggling, foot-stomping and down in the alley blues", which
translates as a real good time. This is by no means exaggerated. The
Brit is not only an excellent singer, his handling of the harmonica is
breathtaking. With hints of Rod Piazza at work, Little Roger & The
Houserockers succeed wonderfully on "Good Rockin' House Party".
En los últimos veinte años, Roger C. Wade (arpa / voz) se ha establecido
como un destacado intérprete de armónica. Su poderoso, así como,
sensible estilo y penetrante sentimiento de Blues, junto con un
saludable nivel de virtuosismo, espontaneidad, humor y una enérgica
"presencia en el escenario", ¡seguro que te llamará la atención! El
quinteto describe su estilo como "meneo de caderas, pisadas de pies y
abajo en el callejón del blues", lo que se traduce como un verdadero
buen momento. Esto no es de ninguna manera exagerado. El británico no
sólo es un excelente cantante, su manejo de la armónica es
impresionante. Con indicios de Rod Piazza en el trabajo, Little Roger
& The Houserockers tienen un gran éxito en "Good Rockin' House
Party".
English record producer, recording engineer and songwriter. His biggest hit was "Telstar" by The Tornados (1962). He was born on April 5, 1929 in Newent, Gloucestershire and died by suicide on February 3, 1967 in London. He is considered the UK’s first independent pop record producer. Co-owner of R.G.M. Sound. https://www.discogs.com/artist/226551-Joe-Meek
A belated sequel to Brian Setzer's original Rockabilly Riot -- a salute to Sun Records that appeared way back in 2005, while a live record under that rubric appeared in 2012 -- 2014's Rockabilly Riot! All Original is distinguished by that distinction in its subtitle: this is not a collection of covers but rather a bunch of new songs penned by Setzer. Of course, you would be forgiven for thinking some of these 12 tracks are covers because Setzer does shuffle riffs, references, lyrics, and riffs so he brings to mind a bunch of beloved classics. "Let's Shake" barrels along like "Breathless" and "Lemme Slide" alludes to another Jerry Lee classic called "End of the Road," "Blue Lights, Big City" cops a bit of "I'm Left, You're Right, She's Gone," "Nothing Is a Sure Thing" opens with a bit of spooky reverb straight out of "Shakin' All Over," while "What's Her Name?" also rides some of that Johnny Kidd & the Pirates rhythm while dropping a reference to Ray Charles' classic "Drown in My Own Tears." Sometimes the allusions are a little elliptical -- he sets the hot rod ode "I Should'a Had a V-8" to a march straight out of Johnny Horton -- but that's part of the fun of the record; Setzer enjoys rummaging through the past and it's hard not to smile as he tips his hat to his idols. If he no longer has the vocal chops to pull off a big ballad like "The Girl with the Blues in Her Eyes" and if he's adding just a bit too many call-and-response backing vocals to the mix, ultimately it doesn't matter because hearing him play fresh material is a bit of a gas and certainly welcome after many years of Christmas and covers records.
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Revisión por Stephen Thomas Erlewine
Una continuación tardía del Rockabilly Riot original de Brian Setzer, un saludo a Sun Records que apareció en 2005, mientras que un disco en vivo bajo esa rúbrica apareció en 2012: ¡el Rockabilly Riot de 2014! All Original se distingue por esa distinción en su subtítulo: esta no es una colección de versiones, sino más bien un montón de nuevas canciones escritas por Setzer. Por supuesto, te perdonarían por pensar que algunas de estas 12 pistas son covers porque Setzer baraja los riffs, las referencias, las letras y los riffs, por lo que recuerda a un montón de amados clásicos. Los barriles "Let's Shake" a lo largo como "Breathless" y "Lemme Slide" aluden a otro clásico de Jerry Lee llamado "End of the Road", "Blue Lights, Big City" copian un poco de "I'm Left, You're Right , She's Gone, "" Nothing Is a Sure Thing "se abre con un poco de reverberación escalofriante directamente de" Shakin 'All Over ", mientras que" ¿Cuál es su nombre? " también monta un poco de ese ritmo de Johnny Kidd & the Pirates a la vez que suelta una referencia al clásico de Ray Charles "Drown in My Own Tears". A veces, las alusiones son un poco elípticas; él pone la oda de hot rod "Debería haber tenido un V-8" a una marcha de Johnny Horton, pero eso es parte de la diversión del disco; A Setzer le gusta hurgar en el pasado y es difícil no sonreír mientras se lleva el sombrero a sus ídolos. Si ya no tiene las habilidades vocales para lograr una gran balada como "La chica con el blues en sus ojos" y si está agregando un poco demasiadas vocales de respaldo de llamada y respuesta a la mezcla, en última instancia no es así, importa porque escucharlo tocar material fresco es un poco chillón y sin duda bienvenido después de muchos años de Navidad y de discos.
